Современные концертные произведения требуют от слушателя мобильной установки слухового восприятия - готовности следить за фактурными линиями традиционных музыкальных тем и одновременно слышать красочность новых тематических построений, нового звукового пространства.

Новые инструменты и новые приемы построения тематизма используются сегодня в произведениях практически всех композиторов. Это позволяет им выражать современное мироощущение - космическое или локальное (город с его технической оснащенностью, живая и неживая природа, мирозданье в целом, культура человеческого общества, представленная поэтапно или в целостном единстве), говорить о мире, в котором человек, а подчас и его разум уже не представляется единственным центром внимания и единственной ценностью. Нередко новый мир отчужден от человека, даже враждебен ему, способен поглотить его и растворить. Другими словами, круг мировоззренческих представлений расширяется, выходит за пределы личностного видения мира и новый тематизм становится средством его выражения.

Говоря о сонорной музыке, нельзя не отметить тенденцию к расширению пространственных возможностей инструментальной музыки, к изменению звукового пространства путем особого, нестандартного расположения музыкантов в оркестре, размещения части оркестра или солистов за сценой и среди слушателей в зале, наконец, перемещения музыкантов во время исполнения произведений. Данные приемы используются, например, в Музыке для струнного оркестра и четырех групп духовых инструментов А. Добровольского, в "Эпизодах", "Сегментах" К. Сероцкого, "Антифонах" С. Слонимского, "Перекличках" П. Плакидиса, в Симфонии № 1 А. Шнитке. В таких произведениях, а равно и в композициях с использованием сонорных тем мы можем слышать не только последовательную смену музыкальных тем, но и одновременное звучание разных звуковых пластов - разных тем с перемещением то одной, то другой из них на первый план звучания. Прием этот, сходный с наложением кадров в современном кинематографе (вспомним "Зеркало" А. Тарковского) или с искусством слайдов, отнюдь не новый в музыкальном искусстве. Но если ранее он использовался в музыкальном театре (например, в операх В. А. Моцарта "ДонЖуан", Ж. Визе "Кармен"), то сегодня он стал средством концертных инструментальных произведений. В целом тенденция расширения пространственных возможностей инструментальной музыки не создала особого направления и осознается как еще один прием изменения красочности звучания.

В начале 60 - х годов появляются произведения, основанные на развитии красочных звуковых комплексов - сонорных тем - блоков. Произведения Кш. Пендерецкого "Мера тишины и времени" (1960), "Памяти жертв Хиросимы" (1960), "Флюоресценции" (1962) и других композиторов утвердили в общественном мнении возможность подобных композиций как полноценных художественных творений. Сонористика (от лат. sonorus - звонкий, звучный, шумный)направление, в котором произведения создавались исключительно на основе сонорных тем, логически завершает направленность разных поисков нового тематизма в музыке XX века. Именно завершает, а потому объединяет целый ряд приемов построения тематического материала с целью извлечения или поддержания определенной краски звучания, приемов старых и новых. Из числа давно использующихся в искусстве приемов можно назвать остинатный бас (вспомните Чакону И. Пахельбеля), обычную гармоническую фигурацию, оркестровую педаль как вспомогательную линию звуковой ткани, многократное повторение звука или созвучия в сопровождении. Можно назвать прием гетерофонии в русской народной песне (утолщение и расцвечивание основной мелодии путем эпизодического отклонения одного или нескольких голосов от основной мелодии и возвращения к ней), некоторые приемы использования многоголосия в народном грузинском и литовском пении, в казахских кюях и т. д. Но если раньше все эти приемы были вспомогательными, то теперь они становятся главным средством выражения в тематическом построении, границы которого определяются не качеством мелодической линии и фактурного строения темы в целом, а данной красочностью звучания. Важно, что сонорные темы - блоки используются не только в особых композициях, но и в произведениях традиционного плана наряду с известными типами музыкальных тем.

Широкое использование нового инструментария связано с появлением электронных синтезаторов, работа над которыми, например, в нашей стране осуществлялась с 30 - х годов в лабораториях Е. Шолпо и Е. Мурзина. Но лишь в 1949 году в лаборатории Е. Шолпо разрабатывается первый синтезатор, а в 1959 - м Е. Мурзин создает синтезатор "АНС" для массового использования. С 60 - х годов входит в практику использование синтезаторов с ЭВМ, с помощью которых можно программировать любое звучание - знакомое и незнакомое. Использование синтезаторов получает массовый характер, особенно в зарубежных странах. В 1954 году в нашей стране организуется ансамбль электроинструментов под управление В. Мещерского, в разных странах создаются студии и лаборатории. Для электронных инструментов пишут произведения Э. Варез, А. Жоливе, О. Мессиан, Б. Шеффер, К. Штокхаузен, Э. Артемьев, И. Габели, Ж. Кузнецова, А. Шнитке, Э. Денисов. Кроме того, электроинструменты используются в произведениях М. Вайнберга, С. Василенко, Ю. Левитина, Г. Свиридова наряду с традиционными инструментами. Особенно широкое распространение электроинструменты получили в музыке в театре и кино (Э. Артемьев, Г. Дмитриев, А. Зацепин, Д. Тухманов, А. Шнитке и многие другие), а также в бытовой. Звучание электроинструментов в значительной мере изменило мир звукового пространства, его красочность и стало мощным стимулом в поисках нового тематизма.